Objetivos

Este blog tiene como propósito enseñar obras de algunos autores colombianos, la obra con sus características y resúmenes, y enlaces para aprender a redactar y saber mas de el párrafo, los signos de puntuación, oración simple, conectores y demás que son ayudas para mejorar la redacción de un texto.

miércoles, 18 de enero de 2012

HISTORIA DE LA PUBLICIDAD

Orígenes de la publicidad moderna S. XVIII:

En el S. XVIII, ya existían anuncios que informaban sobre productos o servicios. En su forma mas elemental, se limitaban a dar a conocer el producto y su precio.
Como ejemplo tienes los que escribía Benjamín Franklin que hacía los anuncios de sus inventos como el de una estufa que apareció en el periódico “Pennsylvania Gazette” en
1742.

S. XIX. El auge del CARTEL

En la segunda mitad del S. XIX aparecen fabulosos carteles publicitarios fijados en fachadas, establecimientos y en los famosos hombres anuncio. La gran contribución al cartel proviene de grandes artistas y pintores, entre ellos Toulouse Lautrec en Francia; William Morris, en Inglaterra y Gaudí en España.

Primeras Décadas del XX  Las Agencias Publicitarias

Tras la Primera Guerra Mundial espacialmente en USA y Europa se comienzan a crear agencias específicas para la creación de anuncios publicitarios. Constaban de un equipo con distintos profesionales especializados en áreas especificas como la redacción, ilustración, etc.

Años 30 y 40 La publicidad en la radio

La radio se convierte en un medio alternativo esencial para la publicidad.
Los anuncios mas famosos de la radio en esta época son los jingles, canciones completas creadas expresamente para el anunciante y su producto.

Años 50: La publicidad en el cine

En los 50 se explota el cine como un medio publicitario yendo mas allá de una simple exposición de diapositivas. Son los dibujos animados los que impulsaron el desarrollo del cine publicitario e intercambiaron nombres famosos como Walt Disney que comenzó como dibujante de publicidad.

Con los 60 y 70 llega la consolidación de la publicidad a la televisión

Nada a revolucionado tanto el mercado y la publicidad como la televisión. Su gran fuerza para modificar los hábitos de los espectadores (consumidores) ha hecho que hoy sea un medio casi impensable sin publicidad. Esto ayudo a que desde esa década surgiesen mas anunciantes, mas agencias y mas anuncios.
La edad de oro de a publicidad española: los años 80

La publicidad Española adquiere un gran empuje y un gran prestigio a nivel internacional. Son innumerables los premios que ganan las agencias españolas en certámenes publicitarios internacionales.

 Nuevos caminos: Los años 90 y el S. XXI

La sociedad ha cambiado y también la publicidad. La inversión en publicidad aumenta la profesión madura y los protagonistas son los consumidores, anunciantes, agencias y medios. Especialmente se buscan nuevos campos estrategias y campos como: El Marketing Directo y la Publicidad en Internet.

¿QUÉ ES LA PUBLICIDAD?

Es una de las muchas posibilidades  que tiene una empresa para comunicarse con el mercado, esta es una actividad que se encuadra dentro del Marketing.

La  Publicidad es una actividad de comunicación para promover la venta de un producto o un servicio, fomentar una idea o lograr cualquier otro efecto que desee el anunciante.

Una de las claves de la publicidad es asignarle al producto o servicio un rasgo exclusivo que lo diferencie del resto; y otra clave que hace que la publicidad influya sobre las actitudes y el comportamiento del consumidos es un valor que el publico aprecie.

La marca es el  elemento que diferencia a uno o varios productos de una empresa, y les otorga una imagen y un valor emocional para que el publico los conozca y se identifique de forma positiva con ellos.

El logotipo es un elemento importantísimo que representa visualmente la marca, de forma única; identifica, diferencia, hace recordar y asocia el producto a un valor determinado.

La publicidad es un medio de comunicación de masas, con unos objetivos claros. Entre sus características destacan: ser una actividad planificada, con un mensaje persuasivo, que actúa sobre la oferta y la demanda que es un verdadero fenómeno social debido a su repercusión en el comportamiento de individuos y grupos.

EL MERCADO PUBLICITARIO:

Central de Medios: Empresa que se encarga de distribuir los anuncios en los diferentes medios, contratando determinados segundos (en TV, o radio) o espacios (en prensa o vallas), para que estos lleguen a los consumidores.

Anunciante: Emisor, inversor y ordenante de la campaña publicitaria, aquel para cuyo interés se realiza la publicidad.

Publicidad Genérica: Es la que promociona una categoría de producto o servicio, sij centrarse en marcas concretas.

Agencia: Empresa especializada en la comunicación publicitaria, que se encarga de la creación y planificación de la campaña, o de parte de ella.

Presupuesto: Elemento que recoge, lo que cuesta cada acción publicitaria de la campaña, proveyendo así los recursos económicos que se necesitan.

LA AGENCIA PUBLICITARIA:

Qué es: Las personas o empresas que se dedican profesionalmente y de manera organizada a crear, preparar, programar o realizar publicidad para un anunciante.
     Tipos de Agencias: De servicios plenos: se ocupan de todo el proceso publicitario.
                                     Especializadas: Se encargan de una parte del proceso.
Qué hace: Crean el producto publicitario, estudian el mercadeo, estudian los hábitos, realizan la comunicación creativa, buscan y gestionan los espacios en los medios de comunicación.
Departamentos y Tareas: Creativo: Diseñan logotipo, crean textos, anuncios de T. V.
Medios: Diseñan la  difusión de la campaña, que medios y en que lugares se verá, leerá y escuchara su publicidad.
Cuentas: Se comunica con el anunciante . informa a la agencia de sus requerimientos de este y le presenta los trabajos realizados.

ESTRATEGIA PUBLICITARIA:

Para desarrollar una campaña publicitaria se deben tener en cuenta 5 aspectos fundamentales: Qué decir, Como decirlo, A quién decírselo, Cuando decirlo y Donde Decirlo.

Los Formatos son las formas o estructuras con las que expresamos la idea creativa y la comunicación publicitaria que vamos a desarrollar de nuestra campaña.

Existen varios tipos de Eslogan: Los que describen la ventaja del producto, los que incitan  a probarlo y los que previenen contra sustitutos del producto.

La publicidad racional es aquella que construye un mensaje centrado en la oferta y da argumentos que se pueden evaluar.

La publicidad emocional no habla tanto del producto sino de los deseos y sentimientos del público al que se dirige, asociando el producto como elemento capaz de cumplir esos deseos.

La publicidad busca transmitir el mensaje de forma clara y rápida, entretener gustar al público para atraerlo al producto, contribuir a la construcción de la marca.

LOS CONSUMIDORES

El Prescriptor es la persona que decide la compra del producto o influye en el comprador para que lo adquiera.

Para definir el publico objetivo de manejan tres criterios los Criterios psicográficos, los sociodemográficos y los socio económicos.
Las necesidades relativas son las que se basan en sentirse superior a los otros.

La Teoría de los incentivos es la que dice que el comportamiento del consumidor reacciona ante unos incentivos, que incitan al individuo a que quiera conseguirlo.
Es decir “si adquieres este producto conseguirás…ser, estar, sentirte,…”

LOS MEDIOS PUBLICITARIOS:

Prensa
En los diarios se insertan anuncios sin color o sin fotografías en espacios reservados para ello. En las revistas la fotografía cumple un papel importante.

Cine Y Televisión
Los anuncios de estos medios o “spots” llegan a un gran público con gran impacto.
Pero también son muy costosos por el proceso de producción audiovisual.

La Radio
En esta se insertan “cuñas publicitarias” durante la emisión de los programas de r5adio que se emitan a nivel nacional, autonómico o local.

Los medios en línea: Internet
Se realizan en anuncios que aparecen en la Web “banners”, mediante ventanas independientes de publicidad “pop ups”, mediante correo electrónico,etc.

La Publicidad Exterior
Se realiza mediante vallas, marquesinas, carteles, etc.

PUBLICIDAD Y SOCIEDAD

Publicidad Ilícita: Es aquella que atenta contra la dignidad de la persona o atenta contra los derechos reconocidos en la constitución, así como la publicidad engañosa, desleal y subliminal.

Pasos para reclamar un caso de publicidad ilícita:

1. Hoja de reclamaciones o burofax: En este se expone el caso, pidiendo una solución.
2. Asesoramiento de la OMIC (Oficina Municipal de Información al Consumidor), a este lugar se va si al dar la hoja de reclamaciones no hay una respuesta satisfactoria.
3. Arbitraje de consumo: Se trata de que un colegio arbitral resuelve la controversia.
4. Vía judicial: Denuncia: Se lleva acabo después de hacer los 3 pasos anteriores, sin tener ninguna respuesta satisfactoria en ninguno de ellos.

ALTERNATIVAS A LA PUBLICIDAD

Hay una forma de publicidad que se realiza de dos formas:
El correo o mailing: Envíos personalizados a domicilios que pueden incluir formulas de respuesta.
Buzoneo y folletos: Se reparten en los domicilios sin dirección de destinatario y de acuerdo con criterios geográficos.

PLANIFICA UNA CAMPAÑA PUBLICITARIA:

Briefing: Información básica que transmite el anunciante sobre el producto, la propia empresa, etc.
Público objetivo: Personas a las que se quiere dirigir la empresa con su producto o servicio.
Campaña: Conjunto de actividades que se realizan para conseguir un fin publicitario.

FOTOGRAFÍA


DEFINICIÖN:
Arte y ciencia de obtener imágenes visibles de un objeto y fijarlos sobre una capa material sensible a la luz. También la podemos definir, como la reproducción por medio de reacciones químicas, en superficies convenientemente preparadas de las imágenes recogidas en el fondo de una cámara oscura.

ANGULOS:
El ángulo de una fotografía es la inclinación con respecto al suelo, de una linea imaginaria que se genera al fotografiar a un sujeto.

A Nivel o Normal: Como su mismo nombre lo indica, es cuando realizamos la fotografía desde el mismo nivel del sujeto al que fotografiamos. Es la posición más natural al momento de hacer una fotografía y la más común. Siendo un poco más explícitos, se puede decir que la línea entre el sujeto y nuestra cámara, es paralela al suelo. En algunas situaciones, como por ejemplo una mascota o un niño, para lograr este tipo de ángulo es necesario agacharse para estar al nivel del sujeto. Generalmente sirve para mostrar o describir algo de manera natural u objetiva y transmite una sensación de estabilidad y tranquilidad, por ser la forma natural en que observamos el mundo.

En Picado: En este caso, se realiza la toma de la escena desde una posición más alta que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo. En este tipo de fotografía la perspectiva que se produce produje que el sujeto se vea disminuido en tamaño. En general, este ángulo se usa como recurso compositivo para restar importancia o transmitir una sensación de debilidad o humillación. En casos de paisajes permite incrementar la sensación de profundidad. Muy usado en fotografía de niños y fotografía documental para mostrar la vulnerabilidad del sujeto.

En Contrapicado: Obviamente es opuesto al anterior, en este caso la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo fotografiado, quedando este más alto que la cámara. La perspectiva que se genera, muestra al engrandecido visualmente, con lo que se logra transmitir mayor importancia y una posición dominante en relación al espectador. Básicamente se emplea, para fotografía arquitectónica y para deportes extremos, pero esto no es una regla fija, y también se puede emplear en otros casos logrando efectos creativos muy interesantes.

En Cenital: Podríamos catalogarlo como un caso específico del ángulo de picado, donde lo llevamos a su punto más extremo, y es justamente lo que sucede. La imagen se toma desde en un ángulo completamente perpendicular, de arriba hacia abajo, con respecto al suelo. Produce escena sin perspectiva, que puede resultar bastante descriptiva en el caso de pequeños objetos, pero generalmente es inusual aunque interesante el resultado obtenido. No es muy común emplear este tipo de ángulo pero en ciertos casos como recurso compositivo puede servir para explorar la creatividad.


En Nadir: Cuando el ángulo en contrapicado lo llevamos a su punto extremo, obtenemos un ángulo de tipo nadir. Su uso incrementa la sensación de contrapicado, y llega a transmitir una sensación abrumadora de grandeza ante lo que el espectador observa. Ideal para fotografía de altos edificios los cuales por sus mismas geometrías añaden gran profundidad a la escena.

En astronomía se denomina nadir (opuesto) a la intersección entre la vertical del observador y la esfera celeste. Es decir: si imaginamos una recta que pasa por el centro de la Tierra y por nuestra ubicación en su superficie, el nadir se encuentra sobre esa recta, por debajo de nuestros pies. En sentido contrario se encuentra el cenit.
Nadir también se usa para referirse al punto más bajo y Cenit al punto más alto.

PLANOS:

 Los planos tratan de la posición de la cámara frente al sujeto.

Plano General: Abarca todos los elementos de una escena. Si se trata de una persona o de un grupo de ellas, nos permitirá que los veamos enteros. Muestra la persona al completo.

Plano Americano: Muestra la figura humana desde debajo de la cadera. Su uso se popularizo en la época dorada de los Westerns, pues este tipo de plano era ideal en los duelos, pues permitía ver las pistolas colgadas en la cintura que llevaban los protagonistas. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.

Plano Medio: Muestra el cuerpo a partir de la cintura. Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda. También es adecuado para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.
 
Primer Plano: Deja ver el rostro y los hombros. Implica cierto grado de intimidad y confidencialidad respecto al personaje, así que con su uso podemos transmitir emociones mas intensas que con los otros planos.

ENFOQUES:

Enfoque selectivo: es aquel en el que una parte de la fotografía está enfocada y el resto no. Para obtenerlo lo ideal es reducir al máximo la profundidad de campo, algo que podemos lograr abriendo el diafragma lo máximo posible y utilizando una distancia focal alta. Una vez hemos reducido la profundidad de campo solo tenemos que girar el anillo del enfoque hasta que veamos nítido aquello que queremos. Gracias a los puntos de enfoque que incorporan hoy en día casi la totalidad de las cámaras SLR podemos utilizar el enfoque automático para enfocar aquello que queremos, pero la reducción de la profundidad de campo deberemos realizarla nosotros mismos, aunque algunos modelos incorporan también automatismos para realizar esta tarea.

Enfoque amplio: Cuando queremos realizar una fotografía de un motivo en el que la distribución de los sujetos es irregular, necesitaremos una profundidad de campo amplia. Para obtenerla debemos hacer lo contrario a lo que hicimos en el tipo anterior. Cerrar el diafragma. Una vez hecho esto lo ideal es buscar el objeto que se encuentre aproximadamente en el centro de todos los que queremos fotografiar y girar la anilla del enfoque hasta que este quede enfocado. Si lo hemos hecho bien todos los objetos deberían estar enfocados aunque si la distancia entre estos es muy acusada probablemente observemos como los objetos que están en los planos más lejanos y en los planos más cercanos están ligeramente menos enfocados que los que están más próximos al centro.

Enfoque continuo: Decimos que tenemos un enfoque continuo cuando conseguimos una fotografía en la que todo está enfocado. Casi siempre lograremos esto enfocando con nuestro objetivo al infinito y utilizando una distancia focal corta. Este tipo de enfoque no es posible en todas las situaciones ni con todas las lentes. Suele utilizarse mayoritariamente para la fotografía de paisaje. No obstante y esto debe quedar claro, si queremos obtener un enfoque continuo óptimo y aprovechar al máximo la capacidad de enfoque de nuestro objetivo, deberemos utilizar la distancia hiperfocal.

ETAPAS DEL PROCESO DE PRODUCCION.

Existen tres etapas básicas en toda producción: Preproducción, Producción y Postproducción.

PREPRODUCCION:

Etapa previa a la realización, es la parte de la producción más importante. El material audiovisual se hace sobre el escritorio; se preparan presupuestos, se ven cotizaciones, se realizan contactos tanto de técnicos como de talentos, se estudian tiempos y movimientos, se visitan las locaciones, se consideran comidas, viáticos y transporte. Es mejor improvisar en el papel que durante la grabación. Así una buena preproducción asegura el 50 por ciento del éxito del programa, es de ahí la importancia de un buen estudio del guión.

El proceso de planificación de un proyecto, llamado preproducción, es frecuentemente el gran desconocido y en muchos casos obviado por las personas que están empezando en la producción de vídeo mediante PC. A continuación se muestran algunas ideas que creemos útiles.

COMENZAR CON UN PROYECTO PEQUEÑO:
Recomendamos empezar con unos proyectos muy cortos para alcanzar la experiencia adecuada antes de lanzarse con un proyecto de película de dos horas. ¡Hay muchos comerciales muy entretenidos que solo duran 30 segundos!.

1 - Brainstorming
El primer paso antes de la producción es la sesión de brainstorming. El brainstorming puede hacerse en grupo, o en solitario.
Cierre los ojos, y realmente intente visualizar su película acabada, desde el principio hasta el final, como si fuera el espectador.
Tal como las ideas van fluyendo en su mente, con una mentalidad totalmente abierta y sin rechazar de antemano ninguna, anótelas en una hoja de papel sin seguir ningún orden en particular.
Seleccione un "modelo" para su proyecto. Es decir, elija un comercial, un programa de TV, o una escena de una película que tenga un estilo que encaje bien en su proyecto. Estúdielo con cuidado, y use los mismos elementos y estilo en su proyecto.
Intente usar los mismos ángulos de cámara, la misma composición, una música similar, un estilo de corrección similar. Con esta técnica su proyecto saldrá mucho mejor, porque está construyendo sobre algo ya probado con éxito.
Todos los grandes directores de cine, artistas, músicos y atletas, emulan lo bueno.

2 - Boceto
Después del brainstorming, cree un boceto de sus ideas. Simplemente es una lista ordenada de todas las secciones o partes de su proyecto.

3 - Guión
El guión del proyecto es dónde está escrita cada frase antes de rodar.
Casi todas las películas, comedias, comerciales y la mayoría de vídeos de marketing y formación están totalmente escritos de antemano.
¡El guión puede escribirse sobre grandes fichas, memorizarse, o incluso mostrarse mediante un software en una pantalla.
Recuerde que el guión, no siempre se dice delante de la cámara, en muchos casos se puede doblar posteriormente.

4 - Storyboard
Este es el último paso de la preproducción. El storyboard es como el borrador para todo el proyecto. Es como una versión en comics de la película.
El storyboard tiene muchos beneficios: Primero, le ayuda a visualizar su proyecto antes de que usted empiece a rodarlo. Es mucho más fácil de hacer los cambios en el storyboard que rodar de nuevo, o reeditar totalmente el proyecto.
Para un proyecto muy importante, considere hacer un storyboard en vivo - lo puede hacer tomando fotografías con su cámara de vídeo de cada una de las escenas. Luego, puede editarlas todas juntas en su línea de tiempo, añadiendo usted mismo todas las voces, la música y los efectos de sonido.
Hay algunas películas en DVD que incluyen el storyboard, y normalmente podrá localizarlo en la sección de características especiales.



PRODUCCION:
Es la realización del programa en sí, la grabación ya sea en estudio o en exteriores, lo cual implica haber llevado a cabo toda la preproducción.

Los siguientes pasos, cubren todos los aspectos de la producción. Una vez obtenga una percepción global del proceso, podrá reducir los pasos y adaptarlos al tamaño y complejidad que tenga pensado para su proyecto.

1-Identifique el propósito de la producción
El paso más importante es el primero: identifique claramente los objetivos y propósitos de la producción.
Si no hay ningún acuerdo claro en los objetivos y propósito de la producción, será imposible terminarla con éxito.
¿El propósito es formar, informar, entretener, o posiblemente para generar sentimientos de orgullo, o de sensibilización social, religiosa o política? Posiblemente el propósito real de la producción es despertar un deseo en el público, que tome parte. En muchos casos, las producciones tienen más de un objetivo.
Y, seamos honrados, la meta principal de la mayoría de las producciones es simplemente mantener el interés del público para que puedan ser influenciados por los comerciales.

2-Analize el tipo de la audiencia
Identifique y analice a su público. Básese en aspectos como la edad, el sexo, el estado socio-económico, el nivel educativo, etc., las preferencias del contenido del programa diferirán sustancialmente según los diferentes grupos sociales. Estas preferencias también son diferentes para las diferentes áreas geográficas, áreas urbanas o rurales, etc.). Estas características del público están referidas a su demografía.
La demografía determina la aceptación de algunos tipos de contenido. Por ejemplo y de forma general, el público que vive en grandes ciudades es mas tolerante con temas sexuales que el de las áreas rurales.
La educación es otro factor importante. Estudios demuestran que cuanto mas alto es el grado de educación de la audiencia, menos rechazo tienen a los contenidos sexuales, pero curiosamente esto se invierte cuando el contenido es violento.

3-Busque producciones similares
Busque trabajos similares buenos y úselos de guía. Si comete errores, al menos que sean originales.
Hágale algunas preguntas. ¿Cómo su producción diferirá de los éxitos y fracasos que se han hecho en el pasado? ¿Por qué funcionaron; o, más importante, por qué no funcionaron?.
Claro esta, que los estilos de producción cambian rápidamente, y hay que tener en cuenta el momento, las situaciones, y los públicos.

4-Determine el coste de la producción
Determine el valor central de la producción para su patrocinador. Obviamente, los patrocinadores y/o anunciantes quieren obtener un beneficio de su inversión.
Aunque los gastos de producción son difíciles de cuantificar, deberíamos asegurarnos que podemos cubrir el gasto de la producción de forma que se obtenga algún tipo de ganancia inmediata o al menos se recupera la inversión.
Para esto hay que hacerse algunas preguntas. Uno, ¿cual será el tamaño probable de audiencia?. Determinando esto, hay que saber si solo se hará un pase o si por el contrario los gastos de la producción pueden ser repercutidos en el tiempo presentándolo a otros audiencias.
Por regla general, a mas volumen de público, mas rentable será una producción. Pero no siempre es así, y no será la primera vez que un comercial de televisión ha sido cancelado, no porque tenía una audiencia pequeña, sino porque el tipo de público no era el adecuado.
En la televisión comercial el retorno en la inversión está generalmente relacionado con el incremento de ventas y de los beneficios. Pero, puede manifestarse mediante otros beneficios como el de las relaciones morales, políticas, espirituales, etc.

5-Desarrolle una propuesta de Producción
Ahora hay que plasmarlo en papel y para ello se necesitan varias fases, hasta que consigamos que la propuesta sea aprobada. La primera versión, generalmente se revisará en varias ocasiones. Durante estas sesiones, temas como son las llamadas de la audiencia, problemas con grupos de interés especial, etc., se discuten y se consideran ideas alternativas.
Si la producción es institucional, los objetivos de producción son revisados y se decidirán temas como la forma amas efectiva de presentar las ideas. Si el director ya se ha hecho cargo (punto 7) en este momento, debería formar parte de estas discusiones.
Finalmente, se consigue una versión que es más o menos aceptada por todos. Sin embargo, incluso esta versión no será probablemente la final. En muchas tomas de escena, continúa la revisión durante el rodaje.
Dependiendo de la producción, podría desarrollarse un storyboard. Un storyboard consiste en dibujos de las escenas clave con sus notas correspondientes en el dialogo, efectos sonoros, música, etc.
En la actualidad, en las producciones de películas y vídeo de alto presupuesto, crean storyboards muy sofisticados con programas cono el Zebra Development.


6-Desarrolle un calendario de producción
Luego, usted debe preparar un calendario provisional. Generalmente, el estreno o fechas tope de distribución, dictarán el programa de producción (el calendario escrito que lista el tiempo previsto para cada paso de la producción).
La falta de planificación cuidadosa podría causar el incumplimiento de una fecha tope crítica, que podría dar al traste con la producción.

7-Seleccione el personal clave de la producción
En este momento hay que contratar el personal de producción restante. Además del productor y escritor, se incluyen al gerente de producción y dirección, y en general, los miembros creativos importantes del equipo. El personal por debajo de este grupo, donde se incluye al personal técnico, generalmente es asignado mas adelante.

8-Decida los sitios
Luego, si la producción no se hace en un estudio, necesita decidir los exteriores clave. En producciones importantes, hay un explorador de exteriores que se encargará de encontrar y coordinar el uso de los exteriores.
Aunque podría ser mucho más fácil de rodar en un estudio, se ha demostrado que el público prefiere el realismo y la autenticidad de los exteriores.
Las ciudades que suelen albergar producciones de películas y TV, tienen comisiones cinematográficas que proporcionan las fotografías y vídeos de marcos interesantes para el rodaje. Estas comisiones existen en la mayoría de las grandes ciudades, y proporcionarán la información sobre las personas que deben ser contactadas y los costes relacionados.
Frecuentemente, es necesario hacer algunos cambios o retoques en los lugares de rodaje. Por ejemplo, las habitaciones pueden necesitar repintarse o redecorarse, etc.

9-Seleccione las actores, vestuario y decorados
Es el momento de seleccionar de los actores, el vestuario y los decorados. Dependiendo del tipo de producción, las audiciones pueden hacerse al mismo tiempo que el casting (selección de actores para los diferentes papeles). Una vez decididos los actores, pueden negociarse y firmarse los contratos. Si usted puede permitirse el lujo de contratar actores muy conocidos, probablemente se habrán decidido antes de la producción.
Después de que contratar al diseñador, él o ella repasará el guión, posiblemente necesitara hacer alguna investigación, y después discutirá las primeras ideas con el director. Una vez alcanzado el acuerdo, pueden hacerse los bocetos de los decorados para la aprobación final antes de iniciar su construcción. En la actualidad, hay muchos decorados que solo existen en los ordenadores. En este caso los bocetos se le pasan a un artista experto en diseño con ordenadores.
Una vez seleccionados los actores, se puede iniciar la selección de vestuario. Éstos se eligen según el guión y en consonancia con el aspecto de los decorados y los exteriores, y finalmente han de someterse a la aprobación del director.
El calendario de los ensayos, desde las primeras lecturas hasta el ensayo general, debe fijarse. Aunque no estén terminados los vestuarios, los actores pueden hacer las primeras lecturas y el director puede ir fijando el ritmo, el énfasis, y las ideas básicas (posicionando los escenarios, el mobiliario, las cámaras, actores, etc.). Una vez finalizado el vestuario, ya se pueden hacer ensayos completos.



10-Decida el personal restante de producción
Tome las decisiones necesarias para completar las necesidades de producción y del personal restante. A estas alturas debe contratarse al personal técnico clave, el equipo, y los locales. Esto incluye el alquiler del equipo y de los locales de producción. También debe preverse el transporte, la manutención (la comida y refrescos en camión), y alojamientos.

11-Obtenga los permisos, seguros
En las grandes ciudades y en muchos países extranjeros no es posible selccinar un lugar, preparar el trípode, y ponerse a rodar. Excepto para las noticias y pequeñas tomas para documentales, deben conseguirse los permisos de acceso, las licencias, los seguros y cintas para acordonar la zona. Muchos interiores semipublicos, como centros comerciales, tambien requieren permisos de rodaje.

12-Seleccione las inserciones de Vídeo, fotografías y dibujos
A estas alturas deben cerrarse los tratos para filmar o adquirir cualquier vídeo o inserciones de la película, así como fotografías y gráficos que podrían necesitarse.
Para reducir los costes de producción, se pueden localizar vídeos o películas en librerías especializadas, con el contenido adecuado para la producción. Generalmente consisten en fondos, paisajes, escenas de exteriores o de determinadas áreas, que luego pueden editarse conjuntamente en la producción. Un ejemplo donde se puede encontrar este tipo de material es Film & Video Stock Shots e en North Hollywood, California.
Las decisiones iniciales sobre la música, también se deben tomar en este punto. Se negociaran las tasas por Copyright y por Royalties de la música y de las inserciones visuales.

13-De los ensayos a la toma
Dependiendo del tipo de producción, el ensayo puede durar minutos o días antes de pasar a las tomas reales.
En las producciones con una sola cámara, se graba una escena en cada momento. En este caso, los ensayos pueden hacerse antes de rodar cada escena.

14-La fase final
Después del rodaje, el productor, director, y el editor de vídeo revisan lo rodado, y se toman las decisiones de edición. Para grandes producciones, se hace tradicionalmente en dos fases.
Primero, se hace la edición off-line, usando copias de las cintas originales. Las decisiones se toman revisando toda la copia. Volveremos sobre este tema más tarde.
Usando esta cinta de edición y un EDL (edit decision list) como guía, se pasa a la segunda fase de edición on-line, con equipos mucho mas sofisticados y caros para crear la cinta maestra. Durante esta último fase de edición se mejora el sonido, el equilibrio de color, y se añaden los efectos especiales.
En todas las ediciones no-lineales de calidad, la corrección digital se usa ampliamente, y se elimina la necesidad de hacer la fase de edición off-line, o por lo menos la hace optativa.
La edición es una fase muy importante en todo el proceso.

15-Seguimiento de la postproducción
Aunque el trabajo de la mayoría del personal termina con el trabajo de producción, hay mucho trabajo de seguimiento que hacer en la postproducción.

POSTPRODUCCION:

Es decisiva, pues implica cómo va a quedar conformado finalmente el programa. Es la edición, la inclusión de efectos especiales, musicalización, titulaje, etc. Depende de esta etapa que el programa sea bueno o malo. Podemos tener una excelente preproducción y una buena producción, pero si la postproducción no es bien manejada, no tendrá ningún caso haber tenido éxito en las etapas anteriores. O en cada etapa de la producción el personal tiene a su cargo funciones específicas de tal manera que la producción fluya de una manera armónica. Cada producción es diferente, por tanto las funciones de cada quien pueden variar. A manera de ejemplo se enlistan a continuación una lista de las necesidades en cada etapa de producción.

La fase final del proceso audiovisual es la Postproducción; aquí se integran de forma perfecta y coherente todas las piezas del rompecabezas, teniendo una armonía total entre sus elementos. La integración de video, la ingeniería de imagen, ingeniería de sonido y musicalización todos ellos juntos permiten obtener unos resultados perfectos gracias a la tecnología digital.

Las áreas más importantes en la finalización de un producto audiovisual son:

La ingeniería de imagen comprende:
Vídeo streaming
Composición
Corrección de color
Efectos especiales (FX)

La ingeniería de sonido comprende:
Grabación
Mezcla de sonido
Efectos
Remasterización
Edición de sonido

Diseños gráficos y efectos 3D:
Animación 3d
Cortos animados 3d
Efectos digitales fx en 3d
Creación de logos y personajes
Creación de ambientes 3d digitales
3d fotorealista

Concepto de Edición:
La pregunta clave mientras está editando no es ¿que es la realidad?, sino ¿cómo las personas perciben la realidad?.
Aunque podemos ver con un ángulo de más de 150º, casi nunca es consciente de cada cosa que hay en su campo de visión, o en el rango auditivo. En cambio, el proceso de percepción constantemente está filtrando los datos superfluos y está centrándose en personas concretas u objetos (los asuntos) dentro del campo visual (el encuadre) y excluyendo el resto (el fondo). Con el sonido el efecto es similar y se centrará en ciertos sonidos mientras ignorará los sonidos de fondo y ambiente.
La mente humana es extremadamente buena en captar un gran número de señales sensoriales y permitir sólo la pequeña parte que es de interés inmediato, pasará a la mente consciente.
La edición debe simular el proceso perceptivo del cerebro, tomando una escena entera e dividiéndola en fragmentos, y cada uno de ellos con un enfoque, un zoom, desde diferentes puntos de vista (las tomas) para conseguir contar la historia tal como la imaginamos.

Hay dos tipos básicos de edición: Lineal y No Lineal.
La edición lineal necesita el uso de la cinta y sistemas VCRs. Con dos sistemas VCRs interconectados podemos arrancarlos y parararlos para copiar solo en vídeo que necesitemos. Este metodo es bueno si las secuencias en la cinta son muy largas.
Otro método mas sofisticado de edición lineal se hace con tres VCRs y un sistema generador de efectos especiales (Special Effects Generator - SEG). Para ello se conectan dos de los VCRs a la entrada del generador del SEG y el tercero a su salida. La mayor ventaja de este método es que tendrá efectos instantáneos en lugar de tener que renderizarlos. Desafortunadamente los sistemas SEG no son digitales por lo que es necesario convertir el vídeo digital en analógico y por consiguiente introducir una perdida de calidad.
La edición lineal requiere estar rebobinado y avanzando la cinta continuamente. Esto somete al sistema de transporte de la cinta a un desgaste importante, por lo que no es recomendable usar una cámara. En su lugar, necesitaremos comprar dos o tres VCRs y un SEG. El precio de estos sistemas en muy elevado y por ello es recomendable realizar la edición mediante el método no-lineal.

La Edición No-Lineal requiere una tarjeta de captura, un ordenador y el software de edición.
Hay que conectar la cámara a la tarjeta capturadora en el ordenador, y mediante el software de edición se capturara solo los segmentos que quiera. Luego con el software de edición, pude manipular los clips en la línea de tiempos, añadir efectos especiales, títulos, sonido... y obtener el vídeo final.
El mayor problema para la edición no lineal, es que se requiere gran capacidad de disco. En la actualidad, con el incremento de capacidad de los discos, ha dejado de ser un problema. Necesitará unos 13 GB por cada hora de captura.
Teniendo en cuenta los costes y las prestaciones, no veo razón alguna para haceredición DV mediante el método lineal.
Llegar a manejar con soltura un programa de edición lleva bastante tiempo. Casi todos los programas tienen una interface de usuario muy similar, los más potentes tienen muchas más opciones, pero la operativa es parecida en todos. Es algo así como aprender a usar el Microsoft Word. Lo mejor es seguir algún tutorial o comprar algún libro. Por mi experiencia, el método de toquetear los menús y ver la ayuda, no es nada productivo, son programas y filosofías de trabajo que al principio no son nada evidentes. Pero bueno, no es difícil, en un par de horas será capaz de realizar las funciones básicas de la edición: cortar clips, añadir transiciones, manejar las bandas sonoras y poner algún título o rótulo. Le aconsejo que empieces con fragmentos de vídeo pequeños (3 ó 4 minutos).
Una buena edición es aquella que no se nota. No hay que abusar de los efectos especiales ni de las transiciones y títulos. Fíjese en los documentales de la TV, la edición "no se nota", aún cuando un profesional ha estado trabajando en él quizás más de una semana.
Tenga en cuenta que bajo W98 el tamaño máximo de los ficheros es de 4 G, lo que equivale a 18 minutos de vídeo DV. No podrá tener un fichero mayor, por limitaciones del sistema operativo. Bajo W2K y con formato NTFS no existe esta limitación. Pero no es imprescindible tener ficheros tan grandes para editarlos. De hecho, en mi opinión lo mejor es tener nuestro vídeo fragmentado en tantos ficheros o clips como tomas hayamos hecho. Esto puede suponer tener unos 100 ficheros por cada 15 minutos de vídeo grabado (bueno, esto depende mucho de tu forma de filmar y del contenido de la filmación, si requiere tomas muy largas o muy cortas).
Por tanto, por mi experiencia es que hay que seguir los pasos siguientes:
- Transferir al disco duro el vídeo. Si trabajamos con W98, nunca superaremos los 18 minutos, pero podemos transferir el vídeo en varios fragmentos de 18 minutos. Esta transferencia la podemos realizar con las utilidades de captura que incluyen todos los software de edición, o con el programa Scenalyzer Live que recomiendo.
- Partir cada fichero de 18 minutos en ficheros que contengan una escena continua. Esto, a primera vista puede parecer una "misión imposible": no es así. el programaScenalyzer Live, además de capturar, lo hace automáticamente. A cada ficherito o clip generado le asigna la fecha y hora de la escena grabada.
- Sobre la marcha, hay que desechar las tomas absolutamente horribles. Para ello borraremos los clips correspondientes.
- Entrar de nuevo en el programa de edición, en mi caso Premiere. Ahora incorporamos en el Storyboard todos los fragmentos de vídeo (almacenados en un directorio que hemos seleccionado en el Scenalyzer). Esto lo hace automáticamente una opción de Premiere. Incluso se le puede definir una transición por defecto, pero yo no lo aconsejo ya que quitar transiciones parece más difícil que poner transiciones.
También puede arrastrar los clips al monitor y recortarlo antes de insertarlo en la línea de tiempos.
- Editar el video: esto te puede llevar muchas muchas horas.... depende de lo que quiera hacer y de su creatividad. Un aviso, cada vez que realice un efecto ya sea un título, una transición, un filtro, etc. el resultado tiene que ser "renderizado", cosa que lleva su tiempo. Lo normal es dejar este proceso para el final, salvo que sea impaciente o necesite ver cómo van quedando. Premiere permite en sus últimas versiones renderizan en baja resolución para previsualizar en tiempo real.
- Un problema muy común es sincronizar el sonido de narración con los clips y la realidad se que es bastante fácil en edición no lineal. Lo que hay que hacer es importar los clips sin la pista de sonido. El mejor momento para la transición entre dos clips es durante una pausa del narrador.
- Transferir el resultado de la edición a una cinta miniDV que lo puede realizar desde Premiereo, o a DVD también desde Premiere o desde programas de autoría como son Encore DVD y DVDit.

PASOS PARA ESCRIBIR EL GUION LITERARIO

La primera etapa en la concepción de un film o de un programa audiovisual es la realización del guión literario que es la narración ordenada de la historia que se desarrollará en el film o programa. Incluye la acción, los diálogos y los detalles ambientales, pero sin indicaciones técnicas. Se plantea en forma escrita pero en un lenguaje visual, cinematográfico y no literario.
Antes de hacer un guión literario es preciso decidir sobre:

*QUÉ se contará
*QUIENES son los personajes
*CÓMO se tratará el film (qué géneros utilizaremos)
*CUÁNDO, en qué época se desarrolla la historia
*DONDE se desarrollara la historia

El guión literario lo desarrolla el guionista, pero a veces también el realizador. El guión literario se adapta a guión técnico que recoge las indicaciones técnicas necesarias para la producción.

LOS GÉNEROS
Los géneros son conjuntos de programas o tipos de programas que tienen similitudes estilísticas o temáticas. Nos centraremos en los géneros cinematográficos y en los televisivos.
Los géneros cinematográficos fueron la respuesta del cine norteamericano a la necesidad de producir filmes en grandes cantidades. Estos filmes se podían clasificar temáticamente y así surgieron los géneros.

LAS FUENTES DEL GUIÓN LITERARIO
Un film o un programa audiovisual puede nacer de:
Diarios de prensa
Historia
Biografías
Novelas y cuentos
Teatro
Remakes o nuevas versiones de obras famosas
...
Los guiones pueden ser originales o adaptados.
Los guiones originales (aunque estén basados en una idea de otra persona) presentan un desarrollo original de la trama, escenarios, situaciones y personajes.
Los guiones adaptados se desarrollan a partir de una obra ya realizada. Hay distintos grados de adaptación:
Adaptado: sigue con la mayor fidelidad posible la obra original.
Basado en una obra literaria: mantiene la historia, pero reduce situaciones y personajes.
Inspirado en una determinada obra: tomando como punto de partida una situación, un personaje, una anécdota desarrolla una nueva estructura.
Recreado: la fidelidad a la obra es mínima y el guionista efectúa todo tipo de cambios.
Adaptación libre: sigue el hilo de la historia, el tiempo, los personajes y las situaciones creando una nueva estructura enfatizando determinados elementos dramáticos de la obra original.
Conviene distinguir entre obra literaria y obra audiovisual puesto que se trata de productos con códigos y lenguajes completamente diferentes. Los productores suelen tener confianza en las obras literarias porque han tenido éxito entre el público o porque la construcción argumental facilita su adaptación a las pantallas.
LA ESTRUCTURA DEL RELATO
En casi todos los audiovisuales aparecen unas constantes en la estructura del relato. En el mundo occidental el relato está dividido en tres partes: planteamiento (1er Acto), nudo o desarrollo (2º Acto) y desenlace (3er Acto). No siempre el orden de estas partes es lineal: el relato puede comenzar por el final para reconstruir después la historia. Al final del relato el espectador debe de ser capaz de reconstruir las tres partes del relato en su orden lógico y temporal si quiere comprender la historia.
Syd Field considera que cada página de DIN A4 de un guión equivale a 1 minuto de proyección en pantalla por lo que en promedio un guión literario tiene 120 páginas:
Planteamiento de la historia (1er Acto): 30 páginas.
Nudo o desarrollo (2º Acto): 60 páginas.
Desenlace o final (3er Acto): 30 páginas.
Según Doc Comparato todo guión se compone de tres elementos esenciales:
Logos, el discurso, la palabra, la organización verbal.
Pathos, la acción convertida en conflicto.
Ethos, el significado último de la historia.
Un guión es perecedero, excepto si se publica (en el caso de algunas películas que han alcanzado reconocimiento).


Planteamiento.
El guionista en un máximo de 30 páginas debe situar al espectador para hacerle entender de qué trata la historia, quién la protagoniza y cuál es la situación dramática. Los primeros minutos de la película suelen determinar si nos gusta o no, o al menos si nos interesa o no.
Las secuencias iniciales pueden estar repletas de acción o la presentación de las situaciones y personajes a un ritmo cadencioso.
Cineastas como Howarks o Billy Wilder (guionista que luego hizo el guión de sus propias películas) comparaban el film a una montaña rusa: inicio dinámico y emocionante, intercalando a lo largo del relato descansos y ascensos en el climax hasta su resolución.
El planteamiento concluye con un giro en la historia que le da una nueva perspectiva (primer nudo de la trama) y obliga al protagonista a seguir adelante.
Nudo o desarrollo.
En unas 60 páginas el guionista desarrolla el conflicto personal o psicológico en que se ve envuelto el protagonista y los obstáculos que tiene que vencer. Las dificultades del protagonista componen la acción dramática y llevan la historia al clímax o máxima tensión. El protagonista tiene decidido su objetivo y el espectador le acompañará en su trayecto para alcanzarlo.
Desenlace o final.
El desenlace o final es desarrollado en el guión en unas 30 páginas y debe completar la historia dotándola de un sentido. El final debe estar relacionado con el principio, pero dotándole de una nueva perspectiva.
La mejor opción es el final cerrado y es la más habitual porque satisface mejor las expectativas creadas en el espectador. Sin embargo son cada vez más frecuentes los finales abiertos que dejan al espectador completar la historia.
Trama y subtrama
La mayoría de las producciones de ficción audiovisual tienen una trama principal que se ajusta a la estructura de planteamiento, desarrollo ydesenlace. Junto a la trama principal puede haber hasta tres tramas secundarias o subtramas que dan interés y emoción a la trama principal. Las subtramas deben de crear nuevos problemas al protagonista y agudizar el conflicto principal. En algún momento ha de quedar patente su influencia sobre el desarrollo de la trama principal, de lo contrario se perdería la unidad de la historia y nos distraería de la línea de acción principal.
Tratamiento del tema, verosimilitud, credibilidad e inteligibilidad
Un mismo tema puede recibir distintos tratamientos: comedia, farsa, sátira, drama o una combinación de diferentes estilos. La idea central no se modifica pero el observador la percibe desde un aspecto diferente.
Todo film tiene que ser verosímil, es decir, lógico y convincente. El espectador debe de aceptar lo que ve en pantalla como algo posible: la historia y su tratamiento deben tener credibilidad. Verosimilitud no significa realismo: el espectador debe de aceptar el punto de partida, entrando en el juego.
La obra audiovisual debe ser comprensible, inteligible, aunque no para todo tipo de público.
LOS PERSONAJES
Todos los relatos versan sobre la historia de alguien o de algo (persona, animal o cosa) : la narración es una sucesión de acciones y toda acción exige la existencia de alguien que sea sujeto de la acción. Toda acción tiene uno o varios protagonistas.
En una historia de ficción aparecen, generalmente tres tipos de personajes:
Los protagonistas y antagonistas. Sobre ellos recae la acción principal. Han de estar perfectamente definidos. A menudo la lucha entre el protagonista y el antagonista se encuentra la tesis del guión.
Los principales. Tienen un papel importante en la obra pero no esencial para el desarrollo de la misma.
Los secundarios. Tienen cierta relevancia y existen por necesidades de la acción. No es preciso que estén muy definidos y no han de distraer la atención del espectador.
Los personajes están encarnados por actores y transmiten al espectador información y expresión a través de su:
presencia en la pantalla que influye en la valoración que del personaje hace el espectador.
situación en un decorado determinado y con otros acompañantes.
acción expresada por su actuación física, gestos y movimientos corporales.
diálogo que proporciona la información que interesa a los personajes (y al público) y que orienta al espectador sobre el nivel cultural y social de los personajes por su manera de hablar.
ESTRUCTURA DE LA IDEA O STORY LINE
Un guión parte de una idea dramática o anécdota que ha llamado la atención del guionista. A partir de esa idea el guionista elabora una idea núcleo que será la tesis de la historia. En todo relato debe haber un conflicto de intereses o un conflicto de objetivos que da lugar a unaintriga.
Cuando el guionista ha definido el conflicto y la intriga tiene que dar una estructura (story line) a la idea dramática o anécdota que le ha servido de punto de partida para el guión, dotándola de planteamiento, desarrollo y desenlace.
Una story line de Casablanca de Michael Curtiz (que en 1942 obtuvo un oscar para el guión, para el director y para la película) podría ser:
Planteamiento. Un personaje que fue héroe de causas perdidas, desencantado de la vida por el abandono de su amada, convertido en antihéroe “duro”, vive en Casablanca donde tiene un bar.
Desarrollo o nudo. Su amada Aparece en Casablanca casada con un héroe de la Resistencia.
Conflicto. Renace el amor entre ellos. Ella está casada con un hombre admirable.
Desenlace. El personaje renuncia a su amada llevado por nobles sentimientos.
Una story line o estructura básica puede estar en el origen de decenas de filmes. Por ejemplo a partir de la story line de Casablanca de Michael Curtiz, Woody Allen en Sueños de seductor (Play it Again, Sam, 1972), homenajeando a Casablanca realiza un relato cómico absolutamente diferente.
LA SINOPSIS ARGUMENTAL
Es el resumen de la historia de entre 3 y 10 páginas.
Mientras que la story line puede servir de estructura a distintos relatos, la concreción de la sinopsis es tal que identifica a un solo relato. La sinopsis contiene información suficiente sobre los personajes y la acción como para permitir valorar las posibilidades del relato pero requiere un gran esfuerzo de síntesis para contar la historia de forma concreta y precisa pero de forma breve y sucinta. Como los personajes no están definidos en profundidad, suele acompañarse la sinopsis argumental de una descripción de los personajes y su papel en la historia.
EL TRATAMIENTO DEL ARGUMENTO
El tratamiento consiste en desarrollar el relato en escenas y secuencias, de modo que el lector pueda hacerse una idea completa de lo que va a suceder.
Para realizar el tratamiento que desarrolle un esquema argumental puede emplearse el método de las tarjetas. Se anota un escenario en dada tarjeta, especificando quién participa en la escena y cómo contribuye la escena al desarrollo del argumento.
La presentación en fichas permite reorganizar las escenas, cambiarlas o incluir otras nuevas para asegurarse del funcionamiento de la historia, de su fluidez y coherencia interna, etc. A partir del tratamiento del argumento se construye el guión literario.
EL GUIÓN LITERARIO
El guión literario concreta el tratamiento, expresando de forma definitiva todas las situaciones, acciones y diálogos. Con el guión literario el guionista concluye su trabajo que será continuado por el director o realizador contando con frecuencia con su ayuda y colaboración.
El guión se detalla el contenido de cada escena y de cada secuencia.
Las escenas describen acciones que suceden en el mismo lugar y tiempo por lo que la iluminación, decoración, atrezzo, vestuario, etc son los mismos en cada escena.
Una sucesión de escenas constituye una secuencia si en conjunto disponen de una línea argumental con un planteamiento, un desarrollo y un desenlace dentro de la estructura general del film.
Existen distintas formas de presentar los guiones literarios. Una de las más conocidas es la utilización de dos columnas verticales: a la izquierda la descripción de la acción o imágenes visuales y a la derecha la imagen sonora (diálogos, sonidos, música y efectos sonoros). Pero es más frecuente, porque permite una lectura más rápida, la presentación en una sola columna, marcando la diferencia de la acción respecto de los diálogos por algún sistema de tabulación (las acciones y los diálogos tienen distintos márgenes).
A partir del guión literario se tomarán decisiones relativas a la producción del film o programa, se conseguirá la financiación precisa para su ejecución, se buscarán las localizaciones, se construirán los decorados, se buscarán intérpretes, se diseñarán vestuarios, etc.
El director o realizador partirá del guión literario y lo adaptará a soluciones audiovisuales originando el guión técnico que especificará los tipos de planos necesarios para cada escena o secuencia, así como la duración de los mismos lo que aportará información sobre la duración total del film o programa.

VIDEO: CAPITÁN AMÉRICA VS HITLER

http://www.youtube.com/watch?v=TLw6h4OY8xc

PERSONAJES

Hitler:












General de Aviación Wilson:











General Marino:









Capitán América: